18世纪法国美学
Charles Batteux有点不同的目标。 当他出版的艺术艺术将在1746年减少到一个原则时，他占据了一项挑战：以统一制度的统一制度的一般基础，建立亚里士多菜的想法。 他侧重于其焦点的主要概念，但概括为任何类型的艺术（因此超越亚里士多德或霍勒斯）。 为了实现这一概括，他区分了自由艺术，其中物体是乐趣（即，音乐，诗歌，绘画，雕塑和舞蹈），从机械中，他提出了对“模仿美丽性质的模仿的诠释”“（Batteux 1746）。 他坚持认为，模仿不是掠夺给定的问题，而是一个明智的和开明的过程，可以努力使其前进的最佳结果。 回顾着名的Zeuxis的贫困人士，他们将他的海伦脱离了克罗托特最完美的女性的零件，他得出结论，艺术家有责任模仿什么原因是大自然的本质。 这就是为什么曼特库克赞扬技巧如此多：“艺术是为了愚弄”（Batteux 1746），不是因为它本质上是两大的，而是因为真理是一种隐藏其结构和发展的复杂结构。 当然，当我们询问艺术家如何选择他将在他模仿“美丽性”时，味道的问题仍未解决：通过哪些标准确定大自然的某部分是美丽的？
重要的是提到Composer Jean-Philippe Rameau，他热情地秉承笛卡尔思想。 他在和谐的论文中（1722年），他试图奠定音乐的科学基础，并编纂了许多思想，这是我们对这一天的音乐分析的基础（例如，Tonirity，Mevent Vs.Mins Keys，构成原则和组合原则和伴奏）。 对于拉姆，和谐比旋律对音乐更为根本。 尽管如此，从和谐原则（1750）的示范，以及之后所谓的Querelle des Bouffons或“争吵”，卢梭带他去任务（在他关于法国音乐1753的信中，诽谤意大利歌剧的青睐），拉雷克撤退到了音乐是通用“关键”的确定性，包括几何形状。
4.启蒙哲学
在Montesquieu之后，其他哲学家从上面提到的理论借来，提出他们对味道的描述，作为三个要素的组合：情绪，原因和规则的知识。 同时，他们远离促进其职业生涯和制定美容理论的职业生涯和学术界的精炼沙龙世界。 甚至蒙特塞义批评了沙龙，因为劝阻严重奖学金的女性化影响。 同时，伏尔泰将学者描述为近视和灰尘覆盖的诗歌（1733）。 大多数启蒙哲学家认为自己是博学，严肃的思想家，也生活在社会中。 在味道方面，他们将自己作为一种种姓的职业批评者的种姓，声称做出更具权威性的艺术判决，这些权利比普通公众的潜在任性的偏好更具权威。
伏尔泰描述了良好的品味作为情绪和武器的组合。 在他的文章中，在百科全书中的“味道”中，他赋予了一个以戏剧表现哭泣的年轻人的例子。 Voltaire要求这种自发反应最终通过了解对他对他的这种影响的原因来备份，即，亚里士多特的团体等规则。 这种经验类似于Crousaz描述的经验，除了后者描述了理想的艺术接收，作为后来被理由而不是规则证实的即时情绪。 然而，对于对美的更广泛的思想，伏尔泰学者在他们的作品中肯定了他作为评论者的角色，因为他没有全面的审美理论。 相反，他在逐个案例的基础上对艺术的品味进行了明确，并对Greco-Roman公约进行了明确的偏好，但仍然愿意为突破这些规则，例如莎士比亚的伟大作家的某些段落而制定例外。
Jean-Jacques Rousseau对味道和美丽写得很少，只有关于艺术的腐蚀影响一般的腐蚀性和一些关于音乐作品的碎片。 他的同伴哲学家是Marmontel，他们试图创造一种从卢梭的哲学推断的味道理论。 在他的essai surgoût，其中令他举起Élémentsdelittérature（1787），Marmontel决定像佛教和许多其他人一样，良好的品味是基于自然的。 然后他叙述了一系列阶段，在该阶段中，人们从良好的味道到糟糕的味道，然后回到好。 首先，有“野蛮人”，他以口才表达自己，但没有“过度夸张”或“多余的绰号”。 在Marmontel的系统中，第二阶段是“未审查”或“野蛮”人，他们更喜欢人为和复杂的语言。 从大自然中疏远，他被奢侈品，虚荣和时尚的疯狂腐蚀。 这种糟糕的味道可以与André的最低类型的味道进行比较，他称之为任意，因为它是反复无常的，不断变化。 最后，在Marmontel的模型中，当他回到修改的性质时，“文明人”在第三阶段出现。 这种轨迹显然是基于卢梭的架构，因为他在他的政治工程中叙述了社会腐败的崇高野蛮人，谁终于在一些未指明的未来，将看到社会自我毁灭，在某种程度上来到全圈从头开始。 除了这些想法，Marmontel的诗学是回归传统的风格分类系统，与他当代Dumarsais的Tropes上市兼容。
Diderot的纪念碑文章“Beau”的Encyclopédie包含了十八世纪法国美学思想的最佳摘要之一，以及一些新的艺术判断思想。 在文章的早期，他暴露了美容理论固有的循环推理：根据圣奥古斯丁，团结是美容的定义特征 - 一个对称建筑是一个例子。 “但为什么需要对称？” 询问Diderot，谁回答自己，“因为它喜欢”。 “这是为什么呢？” 他继续，“因为它很漂亮”。 “为什么美丽？ 因为它是统一的“。 无法解决这个问题，然后他继续总结André和兄弟的美丽理论，以及哈钦森和德国哲学家基督教Wolff。 虽然Diderot声称andré的论文最为深刻，但他仍然是关于什么是美丽的先天想法的必要性。 相反，Diderot认为，所有对称性，比例和美丽的概念来自我们的观察。
他自己的味道定义取决于他所谓的“交流”，或在工作的各个方面之间的联系。 一位艺术家创造了这些融洽关系，最精致的最秘密，最敏感的观众是最敏感的观众是可以辨别最大数量的人。 他的鼎盛的榜样是来自霍勒斯的一条线，Corneille的一个1640悲剧：“qu'il哀悼”或“他已经死了”。 Diderot解释说，这些单独的话既不是美丽也不丑陋。 但如果一个人知道剧本的情节内容，那就是父亲在被问到他的儿子在战斗中做了什么时给予的答案，听众对这条线感到兴趣。 例如，Diderot从戏剧中增加了几个其他情况，这是唯一幸存的儿子，他独自对抗三个敌人，并且他正在为他的国家而战，这在听众的心灵中创造了更多的关系，直到这种超明线条成为一个美丽的对象。 这里描述的交流涉及了解越来越多的绘图和所描绘的人际关系，这为某些线添加了含义的层。 在他的Lettre Sur Les Sourds et Muets上，翻译为聋哑人和愚蠢（1751b）的字母，Diderot解释了类似的东西，使用“象形文字”而不是“融洽关系”。 他给出了一个诗歌中的诗歌的例子可以看到比普通人更大数量的“象形文字”或韵律的元素; 换句话说，他们可以做什么文学学者称之为仔细阅读。 然而，尚不清楚的是人们如何达到精炼阶段，在那里他们能够辨别更多的融洽关系或“象形文字”。
绘画：业余爱好者和专业人士
随着关于文学和音乐品味的辩论，其他辩论在视觉艺术中出现。 艺术家感受到了一个新的权威，以公开理解他们的工作，即使在1719年达摩仍将其称为“工匠”，又回到了艺术家没有比其他熟练的手工劳动者更普通的时代。 然而，Louis XIV于1648年建立了皇家绘画和雕塑学院，从而给了这些前工匠的特殊地位。 他将Charles Le Brun命名为Charles Le Brun，他们将第一画家的角色占据了国王，作为本科学院的创始总监。 其领导人创造了一系列学徒和测试，即志愿者必须通过以便正式接受。 画家，取决于他们希望如何收到，可以在“大型民族”中展示一项硕士工作：也就是历史，神话或宗教场景。 否则，他们可以承担一些次要的流派，这些次要流派，这些次要秩序，肖像，景观，“流派”场景，仍然是仍然生活的。
一个主要的querelle在十七世纪发生在线和颜色的支持者之间，或者在窥探家和铷师之间。 长期以来，由于至少有三个原因，颜色被忽略了：它是在查尔斯·勒布伦的话语中，“但根据情况的反射而产生的事故”（1672 [：183]）; 它吸引了敏感性，而“我们不能独自判断我们的感官，而是通过理性”，因为Poussin把它放在11月24日的Chantelou（如：69）的信中 它证明无法作为绘画的基础，与绘画不同，与思想有关（DesceNo =绘图或设计的原始感）。
画家Gabriel Blanchard谨慎地开始在1671年在学院中使用颜色。他不想“减少设计的重要性”，而是
建立三件捍卫颜色：首先，这种颜色就像绘画艺术一样必要的设计; 其次，如果我们减少了价值的颜色，那么我们也削弱了画家的价值; 第三，这种颜色对古人的赞美表示赞赏，并且它在我们自己的年龄再次享受它。 （1671 [：178-179]）
设计是必要的基础，肯定是，但如果画家的目的是“既是欺骗眼睛并模仿自然”，则得出结论是合理的，因为“本文在于区分绘画的差异并为其绘画而言。自己的特定结束”（如：180）。 这显然是一种尝试转向他的优势Poussin的短语，即绘画的目的是淡化的 - 但确实不足以说服Le Brun。
两名男子将在颜色十字军层中发挥特殊作用。 提及皇家历史族家AndréFélibien似乎是奇怪的，因为他一般并被正确地被认为是POUSIN的支持者。 但他也是自由主义的，尊重不同的意见（这是为了让他的立场造成他的立场！）并且急于在思想的礼物和手的才能之间找到公平的平衡。 对他来说，“美是物质和物质部件之间的比例和对称性的结果”（1725 [：220]），因此自成功不能丢弃颜色
一切都应该如此巧妙地联系，整个绘画似乎已经在同一时间涂上画，而且，从同一个调色板上。 （1725年[：568]，由Louis-Guillaume Baillet de Saint-Julien，1748，Lettres Sur La Peinture，Sculpture et Architectur，Avec联合国审查Des Principaux Ouvragesexposésau louvre au mois d'aoït，巴黎：[n.p.]）
当他翻译du Fresnoy's De Arte Graphica（1668）并在着色时出版他的对话（1673年），艺术评论家罗杰德桩可能似乎持有更强的观点; 然而，通过将重点从颜色转移到着色，他也强调了和谐的重要性以及它预先掌握了当地颜色和Chiaroscuro的方式。 当De Piles三十年后进入学院时，他将在绘画的标题原则下产生综合（1708年），他坚持认为
真正的绘画不仅仅是惊喜，而是因为它来说，呼吁我们; 并且具有如此强大的效果，我们无法帮助靠近它，好像它有一些东西要告诉我们。 （1708 [：309]）
在一个字，
观众没有义务在绘画中寻求真相; 但是，实际，通过其影响，必须呼唤观众，并强迫他的注意力。 （1708 [：310]）
这表明了他称之为“整体在一起”，这是“一般对象的一般从另一个对象从属于另一个，因为它们都会构成一个”，对于眼睛最满意的是（1708 [：312]）。 可以从Antoine Coypel的着作中汲取相同的教训，其中“绘画的卓越卓越”不再与“画家的美学”分开。 他提名为1714年的Academy的董事是页面已转向的标志。
在路易十四之后，艺术的赞助受到Louis XV的官方情妇的风格偏好的严重影响，他选择了将获得皇室养老金的艺术家和建筑师，委托工作的艺术家和建筑师ERA，并赞助了Sèvres的瓷器作品。 她还介绍了她的兄弟，后来被称为Marquis de Marigny，到法院; 她安排了画家Antoine Coypel和建筑师Jacques-Germain Soufflot（后来负责巴黎万神殿）进行教育。 然后，挥舞着她的政治影响力，然后玛丽尼的名为国王建筑总干事，这使他成为向艺术家提供皇家委员会的重要决策者。
除了皇家赞助之外，还有“业余爱好者”或“鉴赏家”的角色，在祖先塑造艺术时发挥着越来越重要的作用。 用艺术历史学家夏洛特瓜克雷的话说，
业余将在近代早期的法院社会的特征和收藏家之间构成了顾客社会之间的中间图，以及作为艺术市场的发展。 （Guichard 2012：521）
其中最着名的这些鉴赏家是金融家Pierre Crozat和Comte de Caylus。 他们收集成千上万的作品是不够的; 他们也参与了通过印刷制作索引和再现它们。 Recueil Crazat（1729和1742）是真正的艺术书籍和词典，致力于美术，开始繁殖（参见，例如，Pernéty的DicteNaire Portatif [1757]，Watelet和Lévesque的Dictionnaire des Arts [1792]，特别是Mariette的Abecedario，从1851年到1860年出版。 目录开始增殖，第一位专着出现，其中最重要的是Recueil Julienne，Jean de Julienne在Watteau的绘画后的271枚雕刻的收藏。 Caylus和Dezallier d'Argenville还写了关于艺术家，速写的传记和落实风格纤巧的既定规则或执行的轻盈。 这一切都发生在不同国家的国际化业余爱好者能够轻松出国旅游的更大背景下进行。 （如此旅行演变为盛大之旅的仪式。）
在正式博物馆存在之前，公众几乎没有进入艺术，直到皇家学院开始在1737年被称为沙龙所谓的沙龙展示绘画。沙龙是一个在卢浮宫的沙龙落后的政治和社交活动Carré在8月25日-ST。 路易斯的一天 - 向国王致敬，它是持续一个月。 多年来，它成为追查风格和审美思想的主要趋势的宝贵指导，以便有效的文章列表以及描绘了文学类型的进化趋势。 但沙龙崛起的最重要后果是新的文学类型的诞生，即沙龙审查，直到二十世纪蓬勃发展，一直是一个无与伦比的审美思想镜面。 最初，这样的评论只是描述性报告和理论上的融合，往往是有争议的。 “沙龙”是为了较大的公众的利益 - 也就是说，那些不一定与一些艺术机构相关联的人。 As La Font de Saint-Yenne于1747年写道：
展出的图片与出版日当天的书籍相同，作为在剧院进行的戏剧：每个人都有权利做出自己的判断。 我们聚集在一起的公众判决，这些判决表现出最大的协议和公平，我们现在向他们展示他们，而不是我们自己的判决，对艺术家来说，信仰同样的公众[谁]判断经常奇怪和不公正当所有这种声音团结在任何特定工作的优点或弱点时，诅咒或仓促很少错误。 （1747 [：555]）
随着Caylus，Baillet de Saint-Julien，然后在所有Diderot之上，绘画的审美重要性越来越强调，开启了对绘画敏锐的作家传统的方式。
Diderot作为艺术作家的努力是基于两个补充信念，即画家为普通观众制作各种效果的这种技术难以理解和清楚，并且通过文学来捕获这是一个困难但重要的挑战。语言，绘画的重要方面。 Painter的炼金术露出观众的理解是Diderot经常重复的，特别是关于Jean-Baptiste Chardin：
这是魔法，一个人无法理解它是如何完成的：厚的颜色层，在另一个上施加一个，每个都从下面过滤以产生效果。 有时，它看起来好像帆布已经从呼吸上迷茫了; 在别人身上，好像一部薄薄的水薄膜着陆...... 关闭，一切抱怨，平坦，消失。 从远处，一切都恢复了生命和重新出现。 （1763 [：604]）
与此同时，Diderot意识到画家的力量使作家极为困难，使他的读者能够深入掌握绘画。 尽管有困难，作者必须以某种方式表达杰作的精髓，从而实现了一种ekphrasis，其中写作尝试绘制的艺术的绘画的本质和形式的绘画。 批评者不仅必须向读者提供有关工作的简短描述，但必须试图以某种方式使他的文字相当于所讨论的绘画表达的情绪。
除了DIDerot尊敬的卓越的画家之外，如Greuze和Chardin，十八世纪看到了两种主要样式，洛可可和新古典主义之间的竞争。 罗克瓦索斯鲍彻等洛卡莫机艺术家倾向于描绘富裕的内饰或牧区的调情场景，该曲线被蔑视为女性化。 洛可可艺术家有时选择神话科目和新古典主义的画家也表现出来，但后者插入了明显的教学信息。 Diderot等哲学家称赞了后一种风格，因为他们声称它将在民众中灌输更多的激情感。 人们可以在革命期间看到雅克 - 路易斯大卫的作品，作为古典主题的终极混合，传统的男人般的形象和民族自豪感的信息。 法国对古代的兴趣在整个AncienRégime中一直是不变的，但它进一步丰富了雅典，庞贝城和其他城市的考古遗址印刷图像的传播。
十八世纪末看到了博物馆的诞生。 此前，人们只能在私人住宅或宗教机构中看到艺术品，即使在此期间，某些收藏家也开始向公众开展“核心机器人”。 英国博物馆于1759年开业，1765年在Uffizi开幕，但法国落后于邻国，即使皇家收藏比以前更易进入。 在未占用的卢浮宫中创建画廊的第一个建议返回到1747年，并于1765年在Encyclopédie（Jaucourt 1765）中的同名进入中重申。 卢浮宫博物馆终于开幕于1793年。
新的艺术可达性，以及印刷工程的素养和扩散，在十八世纪转变社会。 十七世纪的世俗法官给了职业批评者，即启蒙哲学。 由法国革命创造的新世界很快就会扩大 - 并进一步复杂化艺术生产与批评者和公众的招待会之间的联系。
